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Les bases de l’éclairage pour la vidéo numérique

Réglage d’une bonne exposition.
Contraste / key‐light..
Personnages/décors/avant et arrière-plans.
La démarche esthétique de l’éclairage. Style et intention visuelle, l’écriture de la lumière.
Les effets d’éclairages (température de couleur, jour, aube, soir, nuit)..
Composition d’un éclairage 4 points.

Le carré de la distance. Applications concrètes.
Unités de mesure (cellule, zébra, histogramme).
Raccords (le contraste et les axes).
Qualités de la lumière (directe, diffusée, indirecte). Installation de l’éclairage et gestion de l’espace.
Colorimétrie (caractéristiques des capteurs, et ressources de l’éclairage).

L’équilibre des couleurs, les codes colorimétriques.
Présentation du matériel disponible sur le marché (les différentes sources et les accessoires).
La lumière naturelle (réflexion, diffusion, axes, sources).
L’éclairage de studio (implantation, sources).
Préparation technique et esthétique d’un tournage. Repérage. Quel matériel ?
Organisation d’un tournage. L’espace et le temps. Quelle équipe ?

Le cas du fond-vert (implantation et réglages).
L’interview.
Le témoignage anonyme.
La mise en situation.

Les reflets artificiels (effet de lumière aquatique).
Les effets bougie, cheminée, feu de camp.
Étude de cas particuliers rencontrés par les stagiaires.

L’environnement (maîtrise de l’éclairage existant, conditions climatiques).
Le décor, le costume (exploiter un décor naturel et harmoniser la composition).
Le maquillage (brillances, carnation, stylisation).
L’étalonnage (possibilités et limites du signal).

Les bases du son et de l’enregistrement

Rappels des notions acoustiques de base : décibels et fréquences. (fondamentale et harmoniques). Le spectre sonore. La dynamique. Les points de diffusion.
Le son numérique : cartes-son, convertisseur, fréquences d’échantillonnage, profondeur de codage.
Les principaux fichiers son numériques.
Les différents types de micros (technologie, directivité).

En extérieur (perche + mixette) :
Le matériel audio nécessaire, les différents enregistreurs numériques.
Les micros de prise de son en extérieur, leurs différentes technologies et directivités.
Réglage des préamplis de mixette (gain et volume).
La prise de son perchée enregistrée sur caméra et enregistreur numérique.
Enregistrement d’ambiances en stéréo.
En intérieur (studio) :
Routing (parcours) du signal sonore dans un studio professionnel.
Utilisation d’un préampli.
Micros de prise de son en intérieur (électro-statiques et dynamiques).
Réglages des paramètres et des niveaux d’enregistrement..
Prise de son basique.

Passerelle entre les logiciels de montage vidéo (Adobe Premiere ou Final Cut) et audio (Audition ou Protools).
Les formats d’échange de fichiers OMF et AAF.
Nettoyage, filtrage et amélioration des fichiers enregistrés.
Les différents outils. Indicateurs de sélection et de position. Raccourcis clavier.
Différents affichages de la Timeline : time-code ou mesure / temps.
Réglage des niveaux sonores.
Création et paramétrage de fondus. Création de régions.
Montage son d’un reportage vidéo de 2 minutes.

Assignation des inserts et départs.
Architecture des plug-ins
Les différentes catégories d’effets audio : filtres (passe-haut / passe-bas) et équaliseurs graphiques et paramétriques), traitements de dynamique (limiteurs/ compresseurs), effets temporels, réverbération, delay, effets de transposition, effets de modélisation, effets spéciaux..

Création de la bande son d’un court-métrage d’animation sur 2 minutes.
Gestion d’une banque de sons professionnelle.
Principes et modes d’automation.
Principes de mixage. Les compresseurs – limiteurs.
Mastering et niveaux d’exportation pour PAD. Différents formats d’exportation.

Les bases en scénario

L’importance de l’écriture d’un brief avant le script. 
Répondre aux questions fondamentales et identifier les objectifs à l’intérieur d’une équipe :

  • À quel besoin répond la production de la vidéo ?
  • Quel type de contenu contiendra la vidéo ?
  • À quel public est destinée la vidéo ?

S’accorder sur l’effet souhaité de la vidéo une fois la production finie. 
Imaginer les possibles réactions et les comportements des spectateurs après le visionnage de la vidéo. 

Comprendre le langage visuel. 
Différences fondamentales entre la littérature et le scénario. 
Le court-circuit du triangle sémiotique. 
Décrire des images et des sons. 
Suggérer le cadrage et les mouvements de caméra tout en évitant les termes techniques. 
Maîtriser le formatage d’un script. Les différents styles de texte :

  • Scènes
  • Corps
  • Personnages
  • Dialogues
  • Didascalies

Différencier la ligne narrative principale des images d’illustration. 
L’utilisation d’une voix hors-champ et d’une narration.

La force de l’unité
Isoler l’idée principale et créer une hiérarchie parmi idées secondaires. 
Trouver l’équilibre idéal entre les facteurs clés d’une production vidéo :

  • Durée
  • Contenu
  • Qualité

Communiquer un message avec clarté et concision. 
Trouver le ton de communication approprié. 
Techniques de persuasion visuelle et auditive. 
Utiliser sciemment les outils techniques et créatifs de la vidéo :

  • Valeurs de plan
  • Cadrage
  • Couleur / Noir et Blanc
  • Mouvements de caméra / Zoom
  • Animation / Motion
  • Graphics
  • Effets visuels
  • Voix
  • Musique
  • Effets sonores
  • Le texte affiché

Allier des mots et des images pour dévoiler un message plus complexe. 
Maîtriser les relations entre les images et les émotions.
La force et le danger de l’humour.

L’écriture formelle du script sera confiée à une personne. 
Isoler la ligne narrative principale et construire la structure idéale. 
Expliquer en détail les images à produire. 
Trouver un style naturel et convaincant pour les dialogues et la narration. 

Une fois terminée, la première version du script sera lue devant l’équipe. 
Les lecteurs se concentreront sur la fluidité et le naturel du texte à lire. 
Les spectateurs essaieront d’identifier les points faibles, le manque de logique ou intérêt. 

En tenant compte de l’effet et des commentaires des spectateurs, le script sera amélioré. 
En suivant les ressentis des lecteurs, les dialogues seront peaufinés. 
De nouvelles images et sons peuvent être ajoutés afin d’obtenir l’impact souhaité. 

Les bases en réalisation

Les réglages d’une caméra : focus / iris / shutter. 
Le vocabulaire audiovisuel. 
L’impact d’une focale sur une image. 
La relation vitesse d’obturation et diaphragme. 
La profondeur de champ. 
Le suivi de mise au point. 
La maîtrise de la température de couleur. 
Le bon choix des valeurs de plans. 
Le rapport plans, axes et focales. 
La règle des tiers. 
La relation réglages et rendu de l’image. 

Les angles de prises de vues. 
Les mouvements de caméras. 
Le panoramique et travelling conjugués. 
Le plan subjectif. 
L’axe d’action entre personnages. 
Les règles de montage (règle des 180° et des 30°). 
Le passage de l’axe d’action.
Le suivi d’un personnage.
Le champ / contre-champ. 
Les raccords de météo, image, son et mouvements. 

Choisir ses besoins en matériel .
Les familles de micros et leurs utilités (la courbe de réponse en fréquences, la directivité). 
L’échantillonnage. 
La perception auditive. 
Etude du son direct : les particularités de la prise de son perchée. 
Enrichir son film avec du son indirect.